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MBA MultiArt

Técnicas e linguagens para artistas em sintonia com seu próprio tempo
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O que você vai aprender:

Técnicas e linguagens para artistas em sintonia com seu próprio tempo.

Você está prestes a derrubar as paredes do seu estúdio e colocar sua arte na rua, nas telas de celular, nas mentes e nos corações das pessoas.

Nunca teve tanta gente disputando a atenção do seu público, e artistas de todos os níveis desanimam achando que vão ter que trabalhar para o algoritmo das redes sociais só para ter o mínimo de visibilidade.

Mas independente disso, alguns nomes conseguem se destacar e levam para casa ganhos desproporcionais aos da grande maioria.

Hoje, queremos lhe convidar a aprender com alguns dos nomes de maior destaque no mercado e entender quais são as oportunidades com as quais 99% dos artistas nem sonha, por exemplo: 

  • Como dominar técnicas artísticas emergentes para expandir sua criatividade
  • Como expandir seu uso de novas linguagens e possibilidades – intervenções com vídeo, arte imersiva, performance, as inovações da fotografia artística – e utilizá-las para potencializar a voz que você já tem
  • Como pensar como franquia. Em um momento onde o mundo caminha para o Metaverso, o artista que trabalha de forma multidisciplinar cria seu próprio universo e aumenta o poder de exposição e relevância de suas obras. 

Nada disso tem a ver com virar um escravo do seu perfil no Instagram.

O melhor de tudo? Você vai desenvolver projetos autorais que têm a possibilidade de serem compartilhados nas redes de seus professores.

Para quem?

Para artistas profissionais que desejam dominar novas linguagens, expandir seu repertório, fortalecer sua autenticidade e produzir projetos e conceitos únicos, em sintonia com o seu tempo.

ARTES VISUAIS

Profissionais que atuam com artes visuais, desenho, vídeos, fotografia, gravura... Seu processo criativo está a poucos cliques de ganhar novas cores, linhas, formas e texturas.

ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS

Descubra novas possibilidades de criação com técnicas inovadoras. Expanda seu repertório criativo e conquiste o reconhecimento que a gente sabe que você merece.

DESIGNERS

Seu portfólio não vai ser mais uma série de trabalhos sem coesão. Ele vai ser um manifesto da sua visão artística e um testemunho de tudo aquilo que você consegue fazer.

Veja o que nossos alunos falam

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Técnicas e linguagens para artistas em sintonia com seu próprio tempo
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Conheça os professores:

Ricardo Tatoo

Paulistano, formado em desenho industrial e pós graduado em direção de arte, Ricardo Tatoo, como é conhecido, foi um dos primeiros artistas a atuar com o “stencil-grafitti” no Brasil.

Já teve seu trabalho exibido em galerias de arte e em intervenções públicas e privadas do Brasil e da Europa, e acredita que a revolução vem pela educação, direcionando sua arte para o contexto social. Como diretor de arte, desenvolveu a linguagem visual de campanhas, desfiles, eventos e marcas importantes de moda, como a grife Cavalera.

Janaina Tokitaka

Formada em Artes Plásticas pela ECA-USP, Janaina Tokitaka é escritora e ilustradora de livros. Começou sua carreira como colaboradora da Folhinha, suplemento do jornal Folha de São Paulo. Hoje, conta com dez livros publicados como autora e mais de cinquenta títulos publicados como ilustradora.

Daniele Torres

Daniele Torres é museóloga, com pós-graduação em história da arte, gestão cultural e comunicação empresarial. Ao longo de sua carreira especializou-se nas leis de incentivos fiscais, na gestão de equipamentos e ONGs culturais, no planejamento estratégico e na captação de recursos.

Foi coordenadora de projetos culturais da Fundação CSN e gestora de patrocínios da VALE. É sócia da Companhia da Cultura desde 2004, além de professora e coordenadora no Cultura e Mercado desde 2013. Membro do júri do Prêmio ABERJE de Comunicação Empresarial 2015 e 2016, leciona também para a Escola Aberta do Terceiro Setor e para o SENAC-SP. Atualmente é também diretora-gerente, estatutária, do Instituto AES.

Sergio Klepacz

Sergio Klepacz se formou em medicina pela faculdade de medicina da PUCSP em 1980. Fez residência em Psiquiatria pela Santa Casa de SP em 1982, e tornou-se Mestre em psicofarmacologia pela UNIFESP em 1987. Pós graduado senso latu em Ortomolecular desde 2003, é Diretor da clinica Totalbalance medicina integrada em SP.

Iatã Cannabrava

Iatã Cannabrava é fotógrafo, curador e agitador cultural. Atualmente desenvolve trabalhos documentais com a paisagem urbana das cidades, especificamente das periferias das grandes metrópoles. Tem dois livros publicados: Casas Paulistas (2000) e Uma Outra Cidade (2009). Suas fotografias integram as coleções Pirelli/Masp, Galeria Fotoptica, Joaquim Paiva e MAM/São Paulo, e estão publicadas em oito livros de autoria coletiva. É coordenador do Festival Internacional de Fotografia de Paraty e do Fórum Latino- Americano de Fotografia de São Paulo.

Eduardo Feller

Eduardo Feller é diretor da cadeira de Desenho de Imagem e Som e professor titular de Desenho Audiovisual I, II e III, na Universidade de Buenos Aires, e de Meios Expressivos I e II na cadeira de Design Gráfico na mesma universidade.

Criou a orientação de Meios de comunicação, no nível secundário, para as Escolas ORT. Seu setor de vídeo é parte do catálogo permanente da videoteca do Museu Nacional de Arte Moderna.

Marcelo Brodsky

Marcelo Brodsky, artista visual e fotógrafo argentino, trabalhou com artes visuais durante toda sua vida. Estudou economia na Universidade de Barcelona e fez a formação em fotografia no Centro Internacional de Fotografia de Barcelona.

É um dos articuladores do Fórum e da Bienal de São Paulo-Valência, além de ser um dos sócios e fundadores do banco de imagens Latinstock, com base em São Paulo, Argentina e Espanha. É também um dos fundadores do Parque de la Memoria, em Buenos Aires, monumento construído em homenagem às vítimas da ditadura na Argentina.

Gal Oppido

“Acredito que vivemos um período muito interessante do processo de captação de imagens, em que a libertação de vários procedimentos técnicos permite que as fotografias passem a refletir mais o olhar e experiências únicas de cada um, ao invés da sua capacidade de adquirir equipamentos muito sofisticados.”

Gal Oppido é um premiado fotógrafo que desenvolve trabalhos nos campos das artes cênicas, expressões corporais, arquitetura e publicidade. Realizou exposições no Brasil e na Europa.

Graduado pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo.
Docente da disciplina de Linguagem Visual na Faculdade de Arquitetura da Universidade Católica de Campinas. 1979-1990
Fotógrafo do Teatro Municipal e do Balé da Cidade de São Paulo de 1989 a 1993.
Fotógrafo colaborador da Vogue Brasil, 1990-2000.
Prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte) 1991.
Melhor fotógrafo pelo conjunto da obra.
Prêmio “Best of Category 2001 – Printing Industries of América”. Projeto gráfico e fotografias do portfólio da Editora Gráfica TAKANO, Chicago, EUA.
Ministra curso de Linguagem fotográfica no Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM-SP desde 2001.
Ministrou workshops e palestras em diversas instituições culturais.

Para conhecer mais trabalhos do Gal Oppido, confira http://www.galoppido.com.br/

Glauber Kotaki

Glauber Kotaki tinha 12 anos quando se perguntou para o quê servia a ferramenta de lupa do Paintbrush. Hoje, ele é artista gráfico e trabalha com Pixel Art e animação para jogos. Entre alguns dos games em seu portfólio estão Rogue Legacy, Duelyst, Chasm, Full Metal Furies, Murder e Deep Dungeons of Doom.

Para conferir mais trabalhos do Glauber, confira o seguinte seu site e redes sociais:

https://glauberkotaki.com/
https://www.instagram.com/glauberkotaki/

Baixo Ribeiro

Baixo Ribeiro estudou arquitetura e urbanismo na FAUUSP (1982-86). Em 2003 fundou a Editora e Galeria Choque Cultural e tem promovido com sucesso cena da Arte Urbana no Brasil e no mundo.

Trabalha regularmente, como curador de programas de residências, vivências, seminários, intervenções urbanas e exposições no Brasil e fora, em associações com instituições, como MASP, MINC, USP, APEX, CCBB, CCBNB, SESC entre outras.

Em 2012 recebeu o Prêmio APCA (prêmio ‘revelação’ Stephan Doitschinoff, na Exposição “De Dentro Para Fora”, no MASP, São Paulo). Em 2013, o Instituto Choque Cultural foi indicado para o Prêmio Governador do Estado, como Melhor Instituição Cultural. Em 2015, o Instituto Choque Cultural recebeu o Prêmio Melhor Tecnologia Social para o Ambiente Urbano da Fundação Banco do Brasil.

Gustavo Piqueira

“Tornei-me designer gráfico quando entendi que ser designer significa ser responsável pela elaboração da linguagem visual de quase tudo. Percebi aí a oportunidade que eu teria de, através do meu trabalho, viver diversos mundos, conversar com diversas pessoas, e inserir a minha visão pessoal em diversos projetos.”

À frente da Casa Rex, Gustavo Piqueira já recebeu mais de 500 prêmios internacionais de design gráfico. Sua vasta área de atuação é reflexo do modo como enxerga design: como um diálogo. Quanto mais se dialoga, mais rica torna-se a experiência profissional. Como frutos dessa postura, assistimos não apenas seu livre trânsito por todas as áreas do design gráfico, mas também a remoção das habituais fronteiras da profissão, expandindo sua atuação por ilustrações, objetos, tipografia e culminando nos 30 livros de sua autoria já publicados (que você pode conhecer clicando aqui), todos marcados pela livre mistura entre design, história, arte e literatura.

A Casa Rex já foi reconhecida, consecutivas vezes, como a melhor agência de design brasileira.

Cris Olivieri

Advogada com especialização em Gestão de Processos Comunicacionais e Culturais pela ECA-USP e Mestrado em política cultural pela ECA-USP. Master em Administração das Artes pela Universidade de Boston (USA), com bolsa Virtuose do Ministério da Cultura.

Diretora da Olivieri e Associados Advocacia, atuando na área de consultoria para cultura, comunicação e entretenimento há 30 anos. Co-autora do Guia Brasileiro de Produção Cultural, editado desde 2007, e última edição “Cidades” em 2016, e autora do livro “Cultura Neoliberal – Leis de incentivo como política pública de cultura”. Integrante do Fórum Brasileiro de Direitos Culturais e da Comissão das Artes da OAB/SP.

Antonio Peticov

O domínio do uso da cor é uma das principais características do artista plástico paulista Antonio Peticov. Autodidata, nunca teve aulas formais de arte, mas desenvolveu uma rara consciência do que significa a atividade criativa – e da sua importância para o mundo, valorizando a capacidade de cada indivíduo de escolher o que deseja fazer.

Heloísa Neves

Co-fundadora da We Fab, cujo objetivo é o de impulsionar e conectar a cultura maker com empresas, adaptando o conceito de Fab Labs e Makerspaces a este contexto. É membro da rede internacional de Fab Labs desde 2012 quando se graduou pelo Fab Academy no Fab Lab Barcelona. Colaborou com Fab Labs europeus, além de ser uma das responsáveis pela implementação da rede Fab Lab no Brasil. Desde seu doutorado em Design pela FAU – USP dedica-se a entender como o movimento maker poderia se aprofundar em metodologias e práticas como Prototipagem, Colaboração e Agilidade aplicadas à mudança de ‘mindset’ e criação de novos produtos e serviços para grandes empresas. Heloisa é professora do Insper, possui livros e artigos sobre o assunto e foi palestrante do Ted-X falando sobre a cultura maker.

Rafael Costa

Rafael Costa é designer gráfico especialista em caligrafia, lettering e ilustração.

Em 2012 desenvolveu seu primeiro blog sobre design chamado “Design Zero Um”, onde compartilhava seus conhecimentos sobre design. Em 2018 teve seu blog incorporado ao conteúdo do Clube do Design, um dos maiores e mais importantes blogs sobre design no Brasil e o maior canal sobre  o tema no YouTube com mais de 350 mil inscritos (e crescendo).
Rafael também atua como ministrador de oficinas presenciais de desenho, caligrafia e lettering para artistas, profissionais criativos e entusiastas do desenho de letras, sempre procurando novas oportunidades de compartilhar seu conhecimento.

Leandro Spett

“Comecei desenhando desde pequeno como praticamente todos os desenhistas fazem. Na verdade, assim como toda criança faz. Enquanto algumas param, outras continuam. Eu fui uma daquelas que continuou.” Leandro Spett é um premiado cartunista, caricaturista e artista plástico, formado pela ESPM. Aprendiz de Paulo Caruso e Gonzalo Cárcamo, Spett já possui obras em países da Europa.

A jornada para se tornar um artista completo, plural, com repertório rico, capaz de transitar entre diferentes áreas e viver de sua arte começa aqui.

O que você vai aprender:

Confira tudo o que você vai aprender:

    Como o exercício de releitura de obras é importante para o treinamento de outro olhar para o processo criativo.

  • Os segredos de Antonio Petcov: pintor, desenhista, escultor e gravurista;
  • Em tempos de superexposição, como canalizar suas referências e incorporar ao seu processo criativo;
  • As ferramentas indispensáveis no processo de criação;
  • Passo a passo de preparação de uma tela para a pintura;
  • Acabamento impecável: como trabalhar;
  • Projeto: exercício prático de releituras de obras de outros artistas, incorporando sua linguagem própria, autêntica e original.

    Saiba mais sobre a origem desse gênero e a forma como as ilustrações ajudam a contar a história

  • Como os contos de fadas fincaram raízes tão profundas na nossa psiquê? Descubra a estrutura de versões sombrias e a força de propagação dessas tão conhecidas narrativas;
  • Conheça as origens, a evolução, os principais autores e suas ferramentas narrativas para contar uma história de forma única e penetrante;
  • Hans Christian Andersen: a construção de narrativas mais sofisticadas;
  • Walter Crane: a evolução dessa arte com um dos maiores ilustradores do gênero;
  • Truque para perder o medo da folha em branco na hora de ilustrar contos de fadas;
  • Projeto: Escrita de um conto de fadas e ilustração com a técnica da mancha de tinta.

    Descubra como usar sua mente como aliada no seu processo criativo.

  • Inspiração ou técnica? O grande dilema da arte;
  • As armadilhas do processo criativo e como escapar delas;
  • Entenda sua mente para criar profissionalmente: inspiração, criatividade, força de vontade, consciência, aprendizado e absorção de conteúdo explicados pela ciência;
  • As químicas do cérebro que nos levam a sentir medo, raiva, calma, prazer, satisfação, motivação ou energia, e como ativá-las no seu processo e no seu público;
  • O lugar da arte: as variações do cérebro, de acordo com os aspectos físicos, ambientais, estruturais e mentais;

    Como a arte é capaz de transformar lugares, além de ser uma forma de expressão e protesto.

  • O lugar da arte na cidade contemporânea e na cidade do futuro, onde o adensamento será cada vez maior e o espaço cada vez mais escasso;
  • As novas tecnologias sociais que envolvem arte, educação e a construção de comunidades mais conectadas;
  • O papel dos museus, do artista e de outras instituições artísticas no propósito de melhoria das cidades;
  • Como o artista urbano se insere no sistema da arte?
  • O mercado de arte, seu papel político e a afirmação da arte urbana: museu e rua se conversam?
  • Investimento em projetos artísticos: Quais as principais fontes de recursos?

    A utilização da técnica de stencil e todo o processo para a criação de grafites.

  • Saiba como propagar ideias e criações de forma democrática através da técnica do grafite stencil;
  • Como usar diferentes ferramentas como pincel, spray, objetos 3D e rolo de tinta, além de dicas para compras dos materiais;
  • O que é relevante e o que é desnecessário quando a arte é reproduzida nas ruas?
  • Tudo sobre segurança, ética e identificação do autor no grafite;
  • Passo a passo do Processo de stencil: criação do molde até a impressão e o acompanhamento de uma gráfica, sua aplicação e acabamentos;
  • Como vender seu trabalho: desde o alinhamento dos desejos do cliente, precificação e tudo o que você precisa saber na hora de produzir sua arte stencil.

    Descubra como trazer a arte para a moda, de forma personalizada.

  • O processo que levou Tatoo a se aprofundar no mundo da arte stencil.
  • Como selecionar as tintas certas e quais materiais utilizar no processo para um trabalho completo;
  • As técnicas, segredos e linguagem de Tatoo para quem está começando na estamparia em camisetas com arte stencil;
  • Passo a passo de preparação do molde stencil com dicas importantes de confecção e segurança;
  • O que Tatoo gostaria de saber quando estava começando: dicas valiosas para obter os melhores resultados;
  • Tarefa: Criação da sua própria estampa em stencil para aplicação em camisetas a partir de suas próprias referências.

    Como a Arte, sociedade e crítica podem caminhar juntas.

  • Entre conosco no estúdio onde Marcelo Brodsky guarda, cria e recria suas obras e fotografias;
  • A função social que o fotógrafo carrega e desempenha, e como o artista-visual argentino constrói a sua mensagem;
  • O que Brodsky pode ensinar sobre organização, originalidade da obra e originalidade do pensamento para contar sua mensagem ao mundo;
  • Por dentro do pensamento de Brodsky: usando alguns de seus fotolivros, o artista apresenta inúmeras formas de representação de significado da imagem;
  • Por dentro do pensamento de Brodsky: usando alguns de seus fotolivros, o artista apresenta inúmeras formas de representação de significado da imagem;
  • Apresentação do Parque de La Memoria, projeto feito para lembrar e homenagear os desaparecidos durante o período ditatorial na Argentina e a reflexão sobre arte pública como espaço de preservação da memória da América Latina.

    A narrativa e discurso em um conjunto de imagens

  • O que ninguém te ensina: como escolher um tema, como determinar o jeito de pensar sobre essa forma e quais são os elementos que influenciam o olhar do fotógrafo e sua abordagem do assunto retratado;
  • A leitura do ensaio, destacando o tema e as narrativas extraídas das sensações despertadas pelas imagens presentes no livro;
  • Ferramentas do ensaio: o equipamento e o domínio sobre o emocional e o racional;
  • Acompanhe Iatã em um exercício prático na comunidade do Capão Redondo, e veja de perto como funciona a dinâmica e o processo de um ensaio fotográfico, começando pela busca de um caminho narrativo que permita ao fotógrafo fazer o seu discurso;
  • Passo a passo da edição do ensaio, começando pela seleção das imagens captadas, escolha de recursos de manipulação e tratamento que reforcem o conjunto do trabalho;
  • Tarefa: produção de um ensaio fotográfico aplicando os conceitos aprendidos durante o curso. Conte uma narrativa e elabore um discurso que expresse o seu ponto de vista a respeito de um determinado tema, pela edição de um conjunto de 12 a 20 fotografias.

    O diferencial de todo fotógrafo: o seu olhar.

  • Aprenda a exercitar a ferramenta mais indispensável à formação do fotógrafo e de todo artista: o seu olhar;
  • Como fotógrafos se diferenciam em seu trabalho, transmitindo uma visão única e criativa dos fatos;
  • Demonstração e análise de ensaios que exploram o corpo humano, a cidade e elementos do cotidiano urbano;
  • Como exercitar um olhar próprio que permita ir além e extrair novas leituras de objetos e seus significados;
  • Como tornar o processo fotográfico e as imagens captadas muito mais ricas apenas através do olhar.

    Saiba como utilizar o seu celular para contar uma história.

  • A criação com smartphones: entenda as oportunidades e domine as limitações.
  • Dicas de como utilizar o equipamento da forma correta e checklist do que levar na bolsa na hora de uma produção;
  • Utilizando um parque como set de gravação, Eduardo mostra uma gama enorme de possibilidades, com muitos personagens e atividades;
  • Aprenda sobre tudo o que diferencia uma produção caseira de algo com padrão cinematográfico, mesmo com o celular;
  • A importância da montagem para fazer com que o espectador consiga sentir no filme a mesma sensação e visão do cineasta na hora da gravação;
  • Tarefa: Captura de algo da sua vida diária, das coisas que você já conhece a sua volta, do lugar onde vive, contando essa história em preto e branco.

    Todo o processo envolvido para a criação de um fab lab.

  • Heloisa Neves irá guiá-lo por este universo, compartilhando com todos sua própria experiência adquirida nos últimos 5 anos junto a rede internacional Fab Lab;
  • Modelos que vão servir de guia para a abertura de um espaço, como sustentá-lo financeiramente, e tudo mais que envolve a administração de um Fab Lab;
  • A dinâmica do Fab Lab: como dar o empurrão inicial aos projetos e acompanhar e desafiar os usuário a ir além;
  • Compartilhamento de projetos essenciais realizados dentro da rede Fab Lab e o que realmente os torna diferenciados;
  • Links fundamentais e necessários para o entendimento da rede Fab lab.
  • Quais os passos indispensáveis na hora de criar um Fab Lab.

    Ampliando a sua visão sobre o design gráfico e todas suas potencialidades

  • Como o design gráfico pode funcionar como um diálogo entre o artista e o projeto, pela inserção da subjetividade de cada um;
  • Como encontrar soluções para pedidos absurdos, prazos apertados e limitações de orçamento? Exercícios e simulações de comportamento de clientes.
  • Como lidar com demandas muito específicas, sem margem para distanciamentos criativos no resultado final;
  • Como lidar com as limitações técnicas - sejam elas de verba, prazo ou outros impedimentos;
  • Como utilizar o poder de síntese para expressar um conceito e a importância de conhecer o público final para a definição de elementos que componham o projeto gráfico;
  • Como ter um olhar crítico e original para o próprio trabalho e seu desenvolvimento pessoal e profissional.

  • Os fundamentos da técnica e os principais desafios que envolvem a criação do Pixel Art e exercícios para colocar em prática os conhecimentos;
  • Treinamento do olhar para evitar erros de iniciante, contornar obstáculos e enriquecer seu trabalho;
  • Descubra o que é necessário para produzir projetos de forma profissional e leve seu Pixel Art ao próximo nível;
  • Os conceitos de Anti-Aliasing, Sel-Out, Banding, Pillow Shading e Hue Shifting;
  • O bê-a-bá da direção de arte, etapas de criação, iluminação, gerenciamento de pixels, desenvolvimento de personagens e animação.

  • O que diferencia o lettering da tipografia e da caligrafia - e por que você precisa dominar isso;
  • O diferencial competitivo do lettering como solução gráfica para um projeto, frente ao uso de fontes gratuitas e templates prontos;
  • Check list e como escolher os principais materiais utilizados para essa técnica.
  • Aprenda a construir a estrutura que dá suporte para a criação das letras, garantindo a harmonia da composição;
  • Acompanhe o passo a passo do desenvolvimento de um desenho de lettering e veja como os princípios ensinados são aplicados na prática, das marcações ao acabamento.

  • O que é o lettering e principais características dessa técnica de desenho de letras e apresentação de técnicas;
  • Tudo sobre as canetas do tipo brush (ponta de pincel);
  • Como construir linhas guias e fazer esboços e sketchs preliminares;
  • Como realizar contraste no Lettering e como trabalhar luz e sombra para realizar efeitos que deixam as letras com um acabamento mais atraente;
  • Como elaborar Ligaduras para garantir a boa ornamentação e legibilidade das letras.

    Aprenda a como escolher materiais adequados para as técnicas de lápis e nanquim, a melhor maneira de utilizá-los e todo o processo por trás do seu desenvolvimento.

  • Uma conversa sobre os elementos e as questões que envolvem a caricatura;
  • Como escolher seu Lápis, Nanquim e materiais que mais se adaptam ao seu estilo e às necessidades de cada técnica;
  • Tudo sobre o processo de observação, proporção e volume;
  • Aprenda o domínio da técnica do lápis: como criar volume ao trabalhar luz e sombra, e como treinar o olhar para encontrar proporções que fazem a diferença na hora do reconhecimento facial;
  • Entenda mais sobre o controle do nanquim, sua maleabilidade no papel e a diferença de traços em comparação ao lápis;
  • Criação de detalhes e volume com a utilização do nanquim.

    Para quem pensa em trabalhar com cultura: entenda todas as etapas de planejamento de um projeto cultural.

  • Descubra qual é a sequência lógica de processos que facilitam a gestão e administração de projetos cultural;
  • Como o planejamento e a gestão antecipada podem levar o nível da criatividade a um patamar de excelência que na maioria das vezes não chega;
  • Como criar um projeto mais fácil de ser aprovado: como sintetizar a ideia e o que anexar para fortalecer a proposta do projeto;
  • Como construir um orçamento detalhado e assertivo;
  • Como criar um cronograma tático para que tudo seja concluído em seu determinado tempo e como avaliar todos os riscos que podem acontecer;
  • Entenda um pouco mais sobre o mundo dos editais públicos e privados, e as Leis de incentivo e gestão cultural.

    Um passo importante para o desenvolvimento de um projeto cultural e como realizá-lo da melhor forma.

  • Tudo sobre o processo de captação de recursos e etapas fundamentais para seu desenvolvimento;
  • Por dentro do funcionamento das leis de incentivo relacionadas à cultura;
  • Como elaborar um projeto para a captação de recursos: informações básicas e essenciais que um projeto não deve deixar de ter para ser apresentado a potenciais investidores;
  • Realizando a prospecção de patrocinadores: como encontrar informações sobre as empresas e contatos?
  • Como adequar o seu discurso e qual ênfase dar no seu projeto, dependendo da área em que ele será analisado;
  • Entenda a lógica dos investidores, o que mais importa para as empresas e ainda dicas sobre o que um captador deve ou não fazer numa apresentação.

Aproveite!

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Valor original dos cursos que compõem a jornada

  • Contos de fadas : texto, imagem e seu lado sombrio
    R$ 104
  • Introdução à caricatura : muito além dos defeitos
    R$ 89
  • Arte urbana e ativismo : transformando espaços públicos através da arte
    R$ 75
  • Projetos culturais : planejamento para iniciantes
    R$ 129
  • Captação de recursos : projetos culturais
    R$ 75
  • Olhar fotográfico : aprimorando sua percepção da imagem
    R$ 119
  • Cinema com celular : técnicas para contar histórias com iPhone
    R$ 104
  • Ativismo na fotografia : transformando imagens em crítica
    R$ 149
  • Pixel Art : fundamentos e aplicação em games
    R$ 134
  • Releituras de obras : a importância de referências para criações originais
    R$ 119
  • Processo criativo : a ciência por trás da inspiração
    R$ 119
  • Grafite stencil : arte urbana para todos
    R$ 119
  • Lettering : fundamentos básicos
    R$ 129
  • Design gráfico : exercícios para elaboração de linguagem visual
    R$ 149
  • Cultura maker : mão na massa no Fab Lab
    R$ 0,5
  • Customização de camisetas : stencil e arte urbana na moda
    R$ 99
  • Ensaios fotográficos : narrativa e discurso em um conjunto de imagens
    R$ 104

Total: R$1.896 Pague apenas R$699

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